martes, 30 de diciembre de 2014

Doce citas con fotógrafos (Diciembre - Jordi Gual)

Se termina el año 2014 y nosotras cerramos proyecto con Jordi Gual. Nuestras “12 citas con Fotógrafos” llegan a su fin.

Para todas nosotras ha sido un año increíble, y el proyecto una experiencia enriquecedora que nos ha hecho crecer tanto a nivel personal como fotográfico.



Ahora, a las puertas del 2015, cada una continuará con sus proyectos personales. Aunque nunca se sabe qué nos deparará el futuro, de momento no tenemos ningún proyecto conjunto a la vista.



Pero no queremos marcharnos sin dar las gracias a todos aquellos que nos habéis apoyado, seguido, comentado, animado, ayudado y aguantado durante todo este año. Todos los que habéis contribuido de una manera u otra a que estos 12 fotógrafos salgan a la luz. Sin todos vosotros nuestras “12 citas” no habrían existido.  Mil gracias a todos!!!



Os deseamos un muy feliz 2015, os mandamos un beso enorme y os dejamos con nuestra última cita.

Jordi Gual fotógrafo autodidacta y centrado en la fotografía analógica,  ha colaborado como fotógrafo e ilustrador en varias editoriales. A mediado de los 80 participó en diversas Bienales en Nueva York, Roma y Helsinki.

Ha tenido a sus mejores modelos a sus 3 hijas, siendo su hija mayor Natalia, invidente, la protagonista de muchos de sus trabajos más inquietantes. Como muy bien él explica “Los ojos de Natalia me enseñaron a mirar, pero es una mirada llena de tensión, de ambivalencia. Odio que ella esté ciega y la amo porque es mi hija “.

En el siguiente video puede verse la relación que tienen ambos en sus sesiones. Tensa y contenida, por la complicación que añade su ceguera a la hora de guiarla para posar. Acaba ayudándose de los sonidos, los olores y las texturas para conseguir de ella lo que quiere en cada retrato.




La sesión de ese video fue la última que realizó a su hija Natalia. La razón era la necesidad de moverse en otro tipo de fotografía.

Jordi Gual no tiene cámara digital. Sigue trabajando con analógica (Pentax Spormatic de 135, una Hasselblad 500 de medio formato, dos Polaroid y una Linhof Technika de los años cincuenta de gran formato) y ni siquiera usa photoshop.

Podríamos decir que Jordi Gual es un enamorado de las imágenes, las busca, las crea, las plasma. Un soñador en busca de la imagen que le remueva por dentro…

”Una buena fotografía se intuye, se quiere, se respira, se palpa, se detiene, se dispara....” Jordi Gual


Nota: no podemos enlazar con la web del autor porque no funciona, con lo que nos vemos obligadas a enlazar únicamente a lugares donde se recopila parte de su obra o se le realizan entrevistas.






Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.´


Foto de inspiración Verónica AQUI


Foto de inspiración Sara AQUI

Foto inspiración de Araceli AQUÍ


Foto de inspiración de María

Foto inspiración de Bea AQUÍ

jueves, 27 de noviembre de 2014

Doce citas con fotógrafos (Noviembre - Helmut Newton)

Nos acercamos al final del proyecto y este mes de noviembre nuestra cita ha sido con el gran fotógrafo de moda Helmut Newton, autor que no podía faltar para inspirar nuestro trabajo.

Newton nació en 1920 y su auténtico nombre es Helmut Neustädter. Fue un fotógrafo alemán de origen judío que se vio obligado a abandonar su país a causa de la II Guerra Mundial.

Su introducción en el mundo de la fotografía data de 1936 cuando comenzó a trabajar como aprendiz en el estudio fotográfico de Else Simón (Yva). Ella era famosa por sus retratos de desnudos y su fotografía de moda. Estuvo allí hasta 1938, año en que abandona su Berlín natal. Pasó varios años en Singapur, Melbourne, Londres y Viena y vivió en París más de 25 años.

Helmut Newton trabajó para la edición francesa, inglesa, americana e italiana de la revista Vogue. Sus trabajos también fueron publicados en las revistas Marie Claire o American Playboy.
En la actualidad sus fotografías son muy reconocidas. Newton creó un nuevo estilo en el mundo de la moda, en el canon de belleza y en la admiración del desnudo. Todo esto le granjeó mucho éxito como fotógrafo a pesar de tener muchos detractores en su época.

Newton tenía preferencia por las mujeres altas, delgadas y huesudas y las retrató tanto vestidas como desnudas. También centró muchos de sus trabajos en la imagen andrógina de algunas de ellas y las vistió como hombres. Todo esto ocurría en plena revolución sexual y cuando la mujer de la época estaba en la búsqueda de su nueva identidad.

La fotografía de Newton demuestra las facetas más diversas de los nuevos tipos de mujer. Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, las que están repletas de glamour, seducción y elegancia. Newton fue un enamorado de la belleza, la que casi obsesivamente lograba captar como nadie con su cámara.

Fue premiado en numerosas ocasiones y publico algunos libros con sus imágenes. El primero de ellos en 1976 y se llamaba "Mujer blanca".

Sus últimos años discurrieron entre las ciudades de Nueva York y Montecarlo. Murió en 2004 en un accidente de tráfico en Los Ángeles, Estados Unidos.

Newton además de su enorme legado fotográfico, nos ha dejado también su autobiografía.

“La fotografía de moda perfecta es aquella que no se parece a una fotografía de moda. Se parece más a una película, a un retrato editorial o quizás a las fotos de los paparazzi". Helmut Newton.

Fuente: Fotonostra y Wikipedia.


Foto inspiración de Araceli AQUÍ


Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.


Foto inspiración de Bea AQUÍ


Foto inspiración María: AQUÍ


Foto inspiración Sara: AQUÍ


Foto de inspiración Verónica AQUÍ

martes, 28 de octubre de 2014

Doce citas con fotógrafos (Octubre-Vivian Maier)

Presentar a la fotógrafa de este mes es complicado ya que hay muchísimo que contar... este mes, la cita es con VIVIAN MAIER (1 de febrero de 1926, Nueva York - 21 de abril de 2009, Chicago).

Vivian Maier fue una fotógrafa norteamericana aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas. No solía revelar sus carretes porque no se lo podía permitir; tomaba fotos sin descanso y sin que aparentemente le importara el resultado final. Maier coleccionaba libros de arte, recortes de diario, broches y un sinfín de cosas.
Durante un temporada de su vida Vivian Maier se dedicó a viajar y a fotografiar todo aquello que pasaba por sus ojos. Estuvo en varios países, entre ellos: Egipto, Bangkok, Tailandia, Taiwan, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia.
En el 2007, John Maloof buscaba información para escribir un libro de historia sobre Chicago y decidió acudir a una subasta donde compró un archivo de fotografías. La casa de subastas había adquirido esos negativos de un guardamuebles porque su propietario había dejado de pagar las cuotas.
John Maloof decidió revelar una parte de su adquisición y revenderla en Internet. Allan Sekula (crítico e historiador de fotografía) se puso en contacto con Maloof para evitar que siguiera distribuyendo ese valioso material lleno de talento.

A partir de ese momento, Maloof empezó un minucioso trabajo de investigación, recuperación y protección del archivo de la niñera-fotógrafa Vivian Maier. Investigó sobre su vida y localizó una tienda de fotografía donde Maier compraba las películas.
El trabajo de Vivian Maier muestra escenas callejeras de Chicago y New York entre 1950 y 1990.

Desde aquí queremos recomendaros un peliculón para entender un poco más a esta artista y saber mucho más sobre ella: Finding Vivian Maier realizada por John Maloof y Charlie Siskel
 
No olvidéis visitar la página Web de Vivian Maier para poder leer mucho sobre ella así como conocer a su obra.

Fuente del texto Wikipedia y adaptado por Sylvia Parés.


Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.


Foto inspiración de Bea AQUÍ


Foto inspiración Araceli AQUÍ


Foto de María inspirada en la obra de Vivian Maier y realizada con una Rolleiflex


Fotografía de Iratxe inspirada en los autoretratos de Vivian Maier


Foto inspiración de Sara, AQUI


Fotografía de Verónica inspirada en los retratos callejeros que realizaba Vivian Maier a gente desfavorecida.

martes, 30 de septiembre de 2014

Doce citas con fotógrafos (Septiembre-Ralph Gibson)

Ralph Gibson es un fotógrafo, compositor y guitarrista estadounidense (nacido en Los Ángeles en 1939) que desarrolla una idea teórica basada en que dos imágenes individuales, vistas una junto a otra, se combinan generando una tercera en la mente del espectador, produciendo bajo este concepto y hasta la fecha más de 25 libros fotográficos.

Hijo único de Rita Vargas y C. Carter Gibson, su padre trabajaba en Warner Bros por lo que el cine formaba parte de la vida cotidiana de la familia. Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando en 1954 se divorciaron sus padres bajó su rendimiento escolar y abandonó la escuela. Hasta que tuvo la edad para alistarse en la marina estuvo trabajando como mecánico y el día de su cumpleaños en 1956 se alistó como voluntario. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola (Florida), donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Otra oportunidad que le ofreció su alistamiento fue la de conocer diferentes lugares, de ese modo cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a lecturas de poesía.

Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange, con ella estuvo trabajando durante un año y medio al mismo tiempo que desarrollaba su estilo personal. En 1961 se compró una cámara Leica de 35 mm. y descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. Al año siguiente decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico y ya en 1963 publicó sus primeras fotos en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro titulado The Strip.

A finales de 1966 decidió trasladarse a Nueva York y se instaló en el Chelsea Hotel con sus Leicas y doscientos dólares en el bolsillo. Esta ciudad estimuló su imaginación y le pareció como un paraíso para los fotógrafos, pronto consiguió numerosos trabajos y pudo frecuentar los ambientes de los jóvenes artistas. A principios de 1967 conoció a Robert Frank, que lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano.

En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó de fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial. Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de su introspección, sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide (pero no consigue) publicar un libro: The Somnambulist. Crea su propia editorial Lustrum Press, para mantener su independencia editorial. En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro The Somnambulist, cuya publicación supuso un éxito inmediato y a partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias. En 1971 realizó un viaje por Europa, lo que le permite realizar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu que publicó en 1973. En 1975 aparece el último libro de su trilogía Days at Sea.

Gibson actualmente vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

"Aunque fijada en el tiempo, una fotografía evoca tanto sentimiento como aquel que viene de la música o la danza. Cualquiera sea el modo - desde la instantánea al momento decisivo del montaje multimedia - la intención y el propósito de la fotografía es representar en términos visuales, sentimientos y experiencias que usualmente eluden la habilidad de las palabras para describirlas. En cualquier caso, los ojos la tienen, y la imaginación siempre se elevará más allá de lo esperado" - Ralph Gibson

Fuente: Cada día un fotógrafo.

Foto Inspiración Bea AQUÍ.


Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.


Foto de inspiración Verónica AQUÍ


Foto inspiración de Iratxe AQUÍ

peus
Foto inspiración Sara AQUÍ


Foto inspiración de Araceli AQUÍ

jueves, 28 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos (Agosto-Andreas Gursky)

Este mes de Agosto nuestra cita es con Andreas Gursky.

Fotógrafo alemán (Leipzig, 1955) conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea.

Andreas Gursky nació en una familia de fotógrafos, ya que tanto su padre, Willy Gursky, como su abuelo Nazi Hans habían sido fotógrafos publicitarios. Desde muy joven se familiarizó con la fotografía comercial. Estudió Comunicación Visual en la universidad de Duisburg-Essen y al mismo tiempo cursó estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf. Junto a los fotógrafos Axel Hütte, Jörg Sasse, Thomas Struth, Candida Höfer y Thomas Ruff pertenece al grupo de la Escuela de Becher (‘’Becher-Schüler’’), conocidos como la Escuela de Fotografía de Düsseldorf.

Sus fotografías, de gran formato y ricas en color y detalle, representan con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas, hoteles, supermercados, o piscinas; así como lugares donde lo humano constituye únicamente una huella anecdótica. En sus fotografías de exterior en las que retrata paisajes de montaña, cataratas y carreteras donde se aprecia la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez de lo humano. La repetición juega un papel muy importante en la obra de Gursky. En sus fotos aparecen a menudo acumulaciones de objetos similares que, a pesar de la complejidad evidente, mantienen un orden implícito.

Gursky incorpora a su técnica fotográfica las ventajas de los avances tecnológicos en el proceso fotográfico. La manipulación digital sirve a Gursky para crear un mundo inventado en el que, sin embargo, el espectador de sus fotografías se sabe reconocer de inmediato.
Su obra se ha puesto en relación con el discurso de la posmodernidad; realiza un agudo análisis del comportamiento social estandarizado, producto de un mundo transformado por la alta tecnología y la globalización.

Ha expuesto en instituciones de todo el mundo. Su fotografía 99 Cent II Diptychon se sitúa en el cuarto lugar en la lista de fotografías más caras vendidas de toda la historia, y su fotografía Rhein II es actualmente la foto más cara vendida de toda la historia, y por la que más dinero se ha pagado en una subasta, 4,3 millones de dólares, en 2011.

"El espacio es muy importante para mí, pero de una manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por el universo.”
(A.Gursky)

Fuente: Wikipedia, Cada día un fotógrafo.





Iratxe este mes se inspira en general en toda la obra de Andreas Gursky.




Foto inspiración de Bea AQUÍ



Foto inspiración de Verónica AQUÍ (primera foto del enlace)



Foto inspiración de María AQUÍ



Foto inspiración de Sara AQUÍ




Sylvia se ha inspirado en una foto pero la ha adaptado a su manera AQUÍ.

jueves, 31 de julio de 2014

Doce citas con fotógrafos (Julio-Richard Avedon)


Nuestra cita este caluroso mes de julio es con Richard Avedon

Avedon nace en 1923 en Nueva York y muere en San Antonio -Texas en 2004

Fue sin duda el fotógrafo estadounidense de moda en los años 1960 y 70 por sus trabajos en revistas tan conocidas como Vogue o Life entre otras y por ser un fotógrafo comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo.

En sus trabajos elevó la fotografía de moda al rango de lo artístico, consiguiendo que las modelos abandonaran las máscaras de la indiferencia y mostraran su personalidad más profunda. Por ello sus retratos tanto de personajes conocidos como Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, pero también de gente anónima que posaron ante su cámara, se caracterizan por estar cargados de la emocionalidad que se vivía en el mom
ento a través de un método sencillo, el agotamiento anímico en largas sesiones fotográficas de hasta cuatro horas.

Su obra más importante fue titulada In the american west, donde nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos y prostitutas en paisajes al aire libre y como siempre ante un fondo blanco, consiguiendo una gran fuerza expresiva.

Pero la preocupación casi obsesiva y sutil que perpetúa en su trabajo es la del paso del tiempo, la vejez y sus tensiones como motivo fundamental de su obra.

Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud.
El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

Os invitamos a que lo descubráis…


Fuentes: Wikipedia, Vogue.




Foto inspiración de Sylvia
AQUÍ 



Foto inspiración de Araceli AQUÍ



Foto inspiración de Bea  AQUÍ



Foto inspiración de Eva AQUÍ




Foto inspiración de María AQUÍ



Foto inspiración de Verónica AQUÍ



Foto inspiración de Sara AQUÍ



Foto inspiración de Iratxe AQUÍ

lunes, 30 de junio de 2014

Doce citas con fotógrafos (Junio-Toni Catany)

Este mes de Junio nuestra cita es con Toni Catany. 

Artista mallorquín, afincado en Barcelona en el Barrio del Raval desde 1960. Tony Catany fue autodidacta, solo realizó un pequeño curso a distancia siendo muy joven. 

Su obra está cargada de sensibilidad, armonía y melancolía. Centrándose fundamentalmente en el bodegón, el cuerpo humano desnudo y los paisajes. Su dominio de las luces y las sombras es exquisito, y la elegancia con la que trata el color es primorosa.

En el año 2001 recibió el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura y el Premio Nacional de Artes Plásticas (Catalunya). Según la  revista Life es uno de 100 mejores fotógrafos del mundo

Catany realizó su primera exposición individual en 1972. Después de esa vinieron más de cien individuales y otras tantas colectivas. Sus creaciones fotográficas han recorrido el mundo entero.

Experimentó a lo largo de su carrera con las más antiguas técnicas de revelado.

"Para mí la fotografía es una manera de expresar mis sentimientos, mi estado de ánimo y mis emociones. No hago fotografía para los demás sino para mí, por el puro placer de fotografiar. Si además gusta, la satisfacción se amplía"

Toni Catany


Fuentes: 
Wikipedia, El Pais. 




Foto Inspiración María: AQUÍ


Foto inspiración de Iratxe: AQUÍ


Foto inspiración de Sylvia: AQUÍ


Foto Inspiración Eva: AQUÍ


Foto Inspiración Verónica:AQUÍ



Foto Inspiración Bea: AQUÍ
cayany-jo
Foto inspiración de Sara: AQUÍ


Foto inspiración de Araceli: AQUÍ